В рамках X юбилейной Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии 2017» МАММ представляет выставку звезды французского и мирового искусства фотографа Сары Мун «Смена состояний». Музей «Московский Дом фотографии» впервые показал ретроспективную выставку Сары Мун в рамках «Фотобиеннале 98», с тех пор она — постоянный участник фестивалей, проводимых музеем.

Персональные выставки Сары Мун с неизменным успехом проходят по всему миру: в Париже, Арле, Лондоне, Нью-Йорке, Гамбурге, Стокгольме, Праге, Токио, Киото, и Москве, а арт-фильмы получают престижные премии на кинофестивалях. Сара Мун — автор документальных фильмов о великом Анри Картье-Брессоне и легендарном издателе Робере Дельпире.

Сара Мун утверждает, что художником ее сделало кино: «Если копаться совсем глубоко, то первооткрывателем силы образа и визуальной картины для меня был Сергей Эйзенштейн. Все его фильмы повлияли на меня и очень много мне дали до того, как я открыла для себя фотографию...».

Суть работы фотографа, по мнению Сары Мун, заключается в том, чтобы артикулировать историю, которая лежит глубоко за кадром. Мун одинаково блестяще работает и с черно-белой фотографией, признаваясь, что ей нравится дистанция, которую гарантирует черно-белое изображение, и с цветом, создавая собственную, уникальную цветовую палитру.

Проект «Смена состояний», над которым Сара Мун работала с 2010 по 2015 год, — новый этап ее творчества. Элегия об осени и увядании, требующая цвета и отвергающая дистанцию. Здесь Сара Мун впервые выходит на большой формат, и ее работы превращаются в магические картины, где фигуративное и нефигуративное удерживают баланс в странном мерцании. Грустные и светлые, они по-новому проявляют художественный мир Сары Мун, находящийся в непрерывном развитии.

Питер Линдберг — единственный фотограф, в третий раз приглашенный Pirelli для сотрудничества. Он был автором Календаря в 1996 году (Калифорния, пустыня Эль-Мираж) и в 2002 году (студия «Парамаунт», Лос-Анжелес), кроме того, в 2014 году Питер Линдберг вместе с Патриком Демаршелье работал над специальным изданием, посвященным полувековому юбилею Календаря. Линдберг сотрудничает с самыми престижными модными домами и журналами, такими как: Vogue, The New Yorker, Rolling Stone, Vanity Fair, Harper’s Bazaar, Wall Street Journal Magazine, The Face, Visionaire, Interview и W. Его работы находятся в коллекциях крупнейших музеев мира, среди которых: Музей Виктории и Альберта (Лондон) и Центр Жоржа Помпиду (Париж).

В конце 80-х Линдберг организовал фотосессию с совсем юными Линдой Евангелистой, Наоми Кэмпбелл, Синди Кроуфорд, Кристи Тарлингтон и Татьяной Патиц, это была их первая съемка для обложки легендарного английского Vogue, вышедшего в январе 1990 года. Поп-певец Джордж Майкл, инициатор «движения фотомоделей», при создании своего видеоролика для песни ‘Freedom’90’, положившего начало эпохи супермоделей-знаменитостей, был вдохновлен именно фотографиям Питера Линдберга для Vogue.

Линдберг автор художественных и документальных фильмов, восторженно принятых критикой и публикой: «Модель, Фильм» (1991); «Внутренние голоса» (1999), выигравший приз за лучший документальный фильм на Международном кинофестивале в Торонто (TIFF) в 2000 году; «Пина Бауш, Мойщик окон» (2001) и «Повсюду одновременно» (2007) с голосом за кадром Жанны Моро, представленный на Каннском кинофестивале и Нью-Йоркском кинофестивале «Трайбека».

Выставка французского фотографа Филиппа Шанселя «Парижские бунтари’ 82» — проект открывающий программу Десятой московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2017», организованной Мультимедиа Арт Музеем, Москва.
Филипп Шансель (родился в 1959 году) работает на стыке искусства, документальной фотографии и журналистики. Увлекаясь фотографией с самого детства, сначала он получил диплом экономиста, а затем окончил аспирантуру в области журналистики, что оказало большое влияние на его творческий подход.
«Я занимаюсь фотографией около 30 лет. Всегда любил протестовать и не искал легких путей. Мой главный творческий стимул — стремление узнать правду», — рассказывает Филипп Шансель. Фотограф объездил весь мир: работал в Европе и США, Афганистане и Северной Корее, Японии, Африке, арабских странах, представляя свой глубоко личный взгляд на существующее культурное многообразие, анализируя те вызовы, с которыми сталкивается современная цивилизация. Фотография, по его мнению, не должна быть поверхностной, ее задача в том, чтобы раскрывать суть вещей. «Сейчас Интернет полон бессмысленных красивых картинок, которые я не воспринимаю. Стираются всякие границы, отличающее настоящее искусство от фальши», — признается Филипп Шансель. Собственные идеи должны иметь четкую форму, «только тогда вы сможете донести ее до общества и будете услышаны», — уверен фотограф.
Проект Филиппа Шанселя «Парижские бунтари’ 82» посвящен двум ключевым явлениям парижской субкультуры начала 1980-х —группировкам Del Vikings и Panthers. «Викинги» — поклонники старомодных автомобилей, раннего американского рок-н-ролла и буги-вуги в исполнении Билла Хейли, Чака Берри и Фэтс Домино — назвали себя в честь американской группы 1950-х, впервые объединившей представителей разных рас. Французские «Пантеры» заимствовали свое название у афроамериканской леворадикальной организации, ставившая своей целью продвижение гражданских прав чернокожего населения. Обе группировки, сначала выступая за одно, а потом вступив в ожесточенный конфликт друг с другом, вскоре прекратили существование, растратив свои романтические и радикально-вольнолюбивые иллюзии. Фотографии Филиппа Шанселя являются ценным документом эпохи, запечатлевшим ее мятежный, бунтарский дух.
Выставки Филиппа Шанселя с большим успехом проходят по всему миру. Его произведения находятся в крупных государственных и частных собраниях. Шансель — автор 15 книг, его работы публикуются в самых престижных мировых изданиях.

Сергей Эйзенштейн — легендарная фигура в истории мирового кинематографа. Невозможно переоценить влияние, которое он оказал на развитие современного российского и зарубежного кино. Эйзенштейну посвящено огромное количество книг и научных исследований, он является одним из наиболее упоминаемых во всем мире режиссеров, а его знаменитый фильм «Броненосец «Потемкин» по праву признан одним из лучших фильмов в истории по итогам опросов критиков, режиссёров и публики.

На выставке много фотографий, связанных с жизнью и творчеством режиссера. В их числе портреты Сергея Эйзенштейна, созданные классиками российской фотографии: Александром Гринбергом, Дмитрием Дебабовым, Моисеем Наппельбаумом и др.; фотосъемки знаменитых спектаклей Эйзенштейна времен его работы в «Пролеткульте», фотографии, запечатлевшие его поездку в Америку, снимки Эйзенштейна с деятелями российской и мировой культуры, и конечно, кадры со съемок знаменитых фильмов Сергея Эйзенштейна: «Стачка», «Октябрь», «Броненосец «Потемкин», «Старое и новое», «Бежин луг», «Александр Невский», «Иван Грозный», созданные его друзьями-операторами: Виктором Домбровским, Борисом Франциссоном, Александром Сигаевым и Яковом Толчаном. На выставке будет показана серия, связанная с работой Сергея Эйзенштейна над оперой Рихарда Вагнера «Валькирия», поставленной в Большом театре в 1940-м году.
В экспозиции будут представлены плакаты к фильмам Сергея Эйзенштейна, в том числе две работы Александра Родченко для фильма «Броненосец «Потемкин». Один из плакатов Родченко стал каноническим и был широко растиражирован, а другой, не вошедший в рекламную кампанию фильма, существует в единственном экземпляре, отрисованном художником.

Главное место на выставке, конечно, отведено фрагментам кинофильмов Сергея Эйзенштейна. В своей знаменитой статье «Монтаж аттракционов» 1923-го года Эйзенштейн писал: «Аттракцион в разрезе театра — всякий агрессивный момент театра, то есть всякий элемент его, подвергающий зрителя чувственному или психологическому воздействию, опытно выверенному и математически рассчитанному на определенные эмоциональные потрясения воспринимающего ... Аттракцион в формальном плане я устанавливаю как самостоятельный и первичный элемент конструкции спектакля — молекулярную (то есть составную) единицу действенности театра и театра вообще. В полной аналогии — „изобразительная заготовка“ Гросса или элементы фотоиллюстраций Родченко». Эту статью Эйзенштейн писал еще во время своей работы в театре, но именно в ней был сформулирован его творческий метод, который он будет развивать, работая в кинематографе — «монтаж аттракционов».

Революционная теория «монтажа аттракционов» сегодня актуальна как никогда. В эпоху нарастающего информационного шума, борьба за чувства и мысли зрителей является главным для каждого художника.
В юбилейный год в нашем музейном пространстве одновременно встречаются выставки двух великих новаторов русского искусства, начало творческой деятельности которых совпало с началом ХХ века и его великими революционными потрясениями — Александра Родченко и Сергея Эйзенштейна. Оба они жили и работали во имя будущего. Их творчество изменило развитие российской и мировой культуры и, почти сто лет спустя, не теряет своей актуальности. Их уникальные ракурсы и визуальные метафоры задают вектор движения.

МАММ представляет выставку Александра Родченко «Опыты для будущего» приуроченную к 125-летию со дня рождения и 60-летию со дня смерти одного из главных лидеров русского художественного авангарда начала ХХ века.

В 2016 году также исполняется 20 лет Мультимедиа Арт Музею, Москва который гордится самой крупной коллекцией фотографий Александра Родченко.

Наш музей сделал более 50-ти выставок этого великого мастера в России и за рубежом, но эта выставка особенная. Она отражает все этапы и логику развития творчества Александра Родченко. Впервые на выставке «Опыты для будущего» (название одноименной книги художника) собраны не только картины, графика, линогравюры, трехмерные объекты, фотомонтажи, архитектурные опыты, но и уникальные материалы, включающие эскизы декораций и костюмов к театральным и кинопостановкам, а также фрагменты фильмов, в работе над которыми Александр Родченко принимал непосредственное участие. И конечно, его фотографии.

«И в жизни мы, человечество, есть опыты для будущего», — писал Александр Родченко. Великий русский поэт начала ХХ века Велимир Хлебников ввел в русский язык слово «будетлянин». Александр Родченко работал над оформлением книг Велимира Хлебникова, в том числе книги «Заумники» (1922), обложка которой будет показана на выставке. Термин «будетлянин», наверное, можно отнести и к личности Александра Родченко.

Художник никогда не делал различий между разными жанрами визуального искусства. Если использовать современную терминологию, Александр Родченко был мультимедиа художником. Создавая картины, графические работы, фотомонтажи, плакаты, работая над созданием нового шрифта, сегодня известного во всем мире как «шрифт Родченко», подходя к созданию титров для кино, как к важнейшей и интереснейшей творческой задаче, проектируя рабочий клуб, создавая архитектурные фантазии для города будущего, мечтая, чтобы искусство вышло на улицы, Родченко видел главную задачу в творческом преображении настоящего во имя будущего.

Он писал: «Я создал сегодня затем, чтобы завтра искать новое, хотя оно окажется ничто в сравнении со вчерашним, но зато послезавтра я превзойду сегодняшнее». Его творчество оказалось одним из важнейших факторов, повлиявших на изменение, как искусства, так и среды обитания в ХХ веке. Его жизненные установки, сформулированные в теоретических трудах, заданный им вектор движения и умение мечтать о будущем важны для нас и сегодня.

В 20-е годы Родченко работал над созданием музея нового типа, где стирались бы границы между видами и жанрами искусства. Эти принципы были заложены в фундамент создания и развития нашего музея, частью которого 10 лет назад стала Школа фотографии и мультимедиа им. Александра Родченко.

Благодаря коллегам и партнерам Мультимедиа Арт Музея, Москва, предоставившим уникальные работы для этой выставки: Государственной Третьяковской галерее, Государственному Русскому музею, Государственному музею изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Государственному центральному театральному музею им. А.А. Бахрушина, Московскому музею современного искусства, Астраханской картинной галерее им. П.М. Догадина, Вятскому областному художественному музею им. В.М. и А.М. Васнецовых, Нижегородскому государственному художественному музею, Пермской государственной художественной галерее, и частным коллекционерам, мы имеем возможность максимально полно продемонстрировать многогранность таланта великого мастера. У художника не было случайных работ или брошенных идей. Он писал: «Если просмотреть всю мою работу за все время, то это будет огромное и совершенно новое произведение». Мы надеемся, что выставка «Опыты для будущего» поможет проявить уникальную целостность творчества Александра Родченко.

Выставка «Материя. Фрагмент. Тень», подготовленная кураторами Ольгой Свибловой, директором МАММ, и Франческой Пини проходит при поддержке Итальянского института культуры в Москве, в сотрудничестве с Архивом Пино Пинелли, галереями «Claudio Poleschi Arte» (Лукка) и «Dep Art» (Милан). На выставке представлены девять наиболее значимых произведений сицилийского художника, преимущественно 1970-х — 1990-х годов, дающих полное представление о его стиле.

«Это — первая из серии выставок, запланированных Итальянским институтом культуры в Москве и призванных познакомить московскую публику со смелыми художественными экспериментами послевоенной Италии», — говорит директор Итальянского института культуры в Москве Ольга Страда. Художественное руководство этим амбициозным проектом осуществляет Пьеро Машитти.

В 1970-е годы в Италии зарождается настоящая стилистическая революция. Художники сталкиваются с ограниченностью картины, понимаемой как совокупность холста и рамы: одни — например, Боналуми и Кастеллани, выходят за плоскость картины, другие, как Лучо Фонтана, решаются нарушить цельность ее поверхности.

Пино Пинелли (род. в 1938) начинал свой путь как художник, работающий с классическим инструментарием. В 1963 году он переезжает в Милан (где живет и работает по сей день): его привлекают оживленные дискуссии, в которых участвуют такие мастера, как Лучо Фонтана, Пьеро Манцони, Энрико Кастеллани. В начале 1970-х годов он создает серии «Монохромы» и «Топологии» и становится лидером направления, получившего название «аналитическая живопись» (термин Филиберто Менны). В 1976 году, почувствовав дух эпохи, он приходит к «рассеиванию» живописного произведения — именно так традиционно описывается прием Пинелли. Он начинает работать в меньших форматах, располагая холсты совсем рядом друг с другом, — словно это крупное полотно, которое разлетелось в пространстве. При этом стена теряет свой нейтральный статус, становясь одним из главных персонажей, способным принять на себя элементы чистых тонов, то в виде складок и морщин, то в форме сгустков, то строгих линейных форм, то фракталами и независимо, собранные, как правило, по слегка изогнутой траектории, будто имитируя жест сеятеля.

Фрагментация картины — симптом отчаяния, которое испытывает европейский художник перед лицом истории, осознавая, как много уже было сделано до него: единственный выход — не столько «заниматься» живописью, сколько «размышлять» о ней. Итальянский художник не может следовать тем же путем, что американский, который изо дня в день пишет свою собственную историю. Художнику, живущему в стране Пьеро делла Франческа и Мазаччо и ощущающего на себе груз истории искусства, остается лишь имитировать живопись, придавая ей новые смыслы.

Работы Пинелли — это беспокойные живописные тела, которые, колышутся, движутся в пространстве большими и малыми группами. В них ощущается тревожная незавершенность и тягучесть. Они тактильны, они физически источают вибрации света и транслируют эмоции через открытые, яркие цвета.

К выставке приурочен выход трехъязычного каталога (итальянский, английский, русский), подготовленного издательством «Silvana editoriale». В него вошли тексты кураторов, статья искусствоведа Марко Менегуццо и подборка рецензий на творчество художника с 1970-х годов до наших дней.

В рамках Дней Дюссельдорфа в Москве МАММ представляет выставку легендарного международного художественного движения ZERO. В 2011 году музей впервые представил в России его итальянскую часть, в нынешнюю экспозицию вошли работы немецких основателей движения — Гюнтера Юккера, Хайнца Мака и Отто Пине.

После окончания Второй мировой войны по всей Германии наблюдался небывалый всплеск художественной активности. Пережив ужас одной из самых страшных войн в истории человечества, художники, писатели, философы чувствовали необходимость переосмыслить трагедию, освободиться от наследия прошлого, возродить идеи модернизма и Баухауза, господствовавшие до прихода к власти нацистов.

Дюссельдорф, благодаря удачному расположению — близости к Парижу, Амстердаму, Антверпену, Брюсселю, — стал одним из наиболее заметных интернациональных культурных и экономических центров послевоенной Европы.

Именно в Дюссельдорфе в 1957 году возникла группа ZERO. У ее истоков стояли Отто Пине и Хайнц Мак, позже к ним присоединился Гюнтер Юккер. Ноль в названии группы не был символом отрицания — он был точкой отсчета, точкой тишины и пустоты, в которой возникал новый мир, полный надежды и света.

К началу 60-х годов к «нулевой отметке» пришли многие мировые художники и философы: Морис Мерло-Понти рассуждал о «нулевой отметке бытия», Ролан Барт — о «нулевой степени письма», Ив Кляйн открыл выставку под названием «Пустота», а Джон Кейдж начал работать над музыкой тишины. В 1963 году появился манифест Отто Пине, Хайнца Мака и Гюнтера Юккера, он назывался «ZERO — это тишина. ZERO — это начало».

Выражением идей группы стали световые и кинетические инсталляции, объекты на стыке живописи и скульптуры, а также монохромная живопись.

Участники группы находились в постоянном творческом контакте с ведущими европейскими и американскими художниками того времени: Ивом Кляйном, Лучо Фонтаной, Пьеро Мандзони, Жаном Тенгли, Марком Ротко и др. Представители международного художественного сообщества вели интенсивный диалог, выражавшийся в совместных выставках и других, самых разнообразных формах сотрудничества.

Творчество группы соприкасалось с абстрактным экспрессионизмом, с оп-артом, новым реализмом, ситуационизмом, лэнд-артом и даже с поп-артом.

Несмотря на тесную связь между художниками ZERO, каждый из них обладал неповторимой индивидуальностью и работал над собственными проектами.

Хайнц Мак экспериментировал с кинетическими возможностями света, и лейтмотивом его творчества является световая стела. Он размещал эти объекты в нетронутых пространствах пустынь и в открытом море, и зачастую публика могла познакомиться с этими работами лишь благодаря фото- и видеодокументации. Для работ Гюнтера Юккера характерно отсутствие цвета, и главную роль в них играет гвоздь, по-своему преломляющий свет и темноту. Пине, сочетавший художественное образование с философской подготовкой, был увлечен взаимодействием искусства и науки.

В то же время художники группы ZERO и их единомышленники всегда стремились к тому, что Гюнтер Юккер называл «миром, где искусство перестает быть делом одиночек».